[Autor] Grupo Cultural Yuyachkani

[Textos] Miguel Rubio Zapata

[Actriz] Rebeca Ralli

[Dirección] Miguel Rubio Zapata

[Asistencia de dirección] Milagros Felipe Obando

[Productora general] Grupo Cultural Yuyachkani

[Productora asociada] Socorro Naveda

[Diseño plástico] Jorge Baldeón

[Diseño de vestuario] Julio Cajas

[Presentado por] Grupo Cultural Yuyachkani y el Centro Cultural de España en Lima

Hijo de perra o La anunciación se estrenó en septiembre de 2017 en Madrid, España, en el marco del Segundo Festival Internacional de Teatro “Territorios Teatrales Transitables” (TTT) de Residui Teatro. En Lima, se ha presentado en la Casa Cultural Yuyachkani; en Lugar de la Memoria, la Tolerancia y la Inclusión Social (LUM); en la Casa de la Literatura; y recientemente en Quito, Ecuador, en el Encuentro de Mujeres en Escena “Tiempos de Mujer”.

En Hijo de perra o La anunciación, la actriz Rebeca Ralli comparte su quehacer artístico desde las preguntas con las que parte al abordar una creación, la reacción a estas preguntas mediante ejercicios para organizar los materiales que van apareciendo: la acción, la palabra, el canto y los temas presentes en el discurso escénico; recurriendo a ejemplos de sus diferentes personajes en las distintas puestas de Yuyachkani.

Miguel Rubio Zapata

Es miembro fundador del Grupo Cultural Yuyachkani (1971) y se desempeña como su director. Postula un teatro de creación e investigación a partir del material que los actores producen. Es egresado de la Especialidad de Sociología de la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad Inca Garcilaso de la Vega (1974) y doctor ​ honoris causa por el Instituto Superior de Arte de la Universidad de La Habana (2010). Su experiencia tiene como base la investigación de la cultura peruana y su aplicación en las expresiones artísticas contemporáneas.

Ha publicado los libros ​ Notas sobre teatro (2000), ​ El cuerpo ausente: performance política (2008), ​ Raíces y semillas: maestros y caminos del teatro en América Latina (2011), ​ Guerrilla en Paucartambo (2013), la serie Memoria que  danza (2013) y​ El teatro y nuestra América (2013).

El Grupo Cultural Yuyachkani fue fundado en 1971; es una institución independiente, autogestionaria. Sus obras, su pedagogía y su Casa Teatro están dirigidas y relacionadas con la sociedad y la diversidad cultural peruanas. Yuyachkani renovó la escena peruana postulando un teatro inclusivo, democrático y de la memoria, que muestra la gran diversidad peruana, encontrando justamente ahí su punto de inspiración, tomando como referencia dos fuentes esenciales: por un lado, los ritos, lo sagrado, el espacio andino; y, por otro lado, la herencia de la teatralidad universal tanto de Oriente como de Occidente; para provocar una introspección en el pasado que nos hace entender el presente, e involucrando al espectador en un acto reflexivo y apasionante.

[Dramaturgia y dirección] Mariano Tenconi Blanco

[Asistencia de dirección] Maxi Muti

[Actores] Lorena Vega, Maruja Bustamante, Flor Dyszel, Juana Rozas, Bruno Giganti y Agustín Rittano

[Producción general] Carolina Castro

[Asistencia de producción] Eugenia Tobal

[Diseño de escenografía] Oria Puppo

[Diseño de vestuario] Cecilia Bello Godoy y Johanna Bresque

[Diseño de iluminación] Matías Sendón

[Coreografía] Jazmín Titiunik

[Musicalización] Mariano Tenconi Blanco

[Música original] Ian Shifres

[Compañía] Teatro Futuro

Obra ganadora del IX Premio Germán Rozenmacher de Nueva Dramaturgia, es una coproducción de Compañía Teatro Futuro y del Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA), el Festival de Artes Escénicas de Uruguay (FIDAE), el Centro Cultural Rector Ricardo Rojas (UBA), el Centro Cultural San Martín y la Comedia de la Provincia de Buenos Aires.

La obra recibió dos premios Trinidad Guevara por mejor actor y mejor actriz de reparto, e incluyó la nominación de mejor autor; fue destacada en los Premios Teatro XXI como mejor obra, mejor actriz protagónica y mejor director y nominada a los ACE como mejor autor nacional y mejor actriz protagónica.

Una galardonada historia envolvente y ácida, unas actuaciones impecables, una estética ochentera sugerente.

Si no existiera la muerte cada uno podría ser lo que quisiera, hacer lo que quisiera en cualquier momento y extenderlo ad infinitum. No nos veríamos forzados a elegir nuestros caminos con resignación o en contra de nuestros deseos. Y, sin embargo, es solo ante la presencia inminente de la muerte que surge la urgente necesidad de realizarnos, de cumplir el más recóndito de nuestros impulsos; como el de la simple maestra de escuela que quiere ser la actriz de su propia película pornográfica. El amor, la amistad, la maternidad, el deseo y el sentido de la vida son algunas de las cuestiones que se van sucediendo a lo largo de la obra.

El dramaturgo argentino del momento, Mariano Tenconi, narra magistralmente esta historia con un cruce de estilos que mezclan la comedia de puertas con las novelas de folletín, el feminismo con el deseo, el pesimismo con la ternura, y nos conecta dulcemente con unos personajes entrañables a través de unas actuaciones que son un despliegue fascinante de fragilidad, picardía, desenfado, carisma, precisión y mucha creatividad.

Teatro Futuro

Es una estructura de creación y producción fundada en 2013, con base en Buenos Aires, Argentina, dirigida por el dramaturgo y director Mariano Tenconi Blanco.

Con propuestas centradas en la literatura, la música y el trabajo sobre la actuación, la compañía busca crear nuevos mundos basándose en la potencia revolucionaria de la imaginación y en la ficción como modo de hacer política.

La compañía estrenó en Buenos Aires las obras La fiera (2013, El extranjero), Las lágrimas (2014, Centro Cultural de la Cooperación), Futuro (2015, Centro Cultural San Martín), Lima Japón bonsái (2016, Timbre 4, El extranjero), Walsh. Todas las revoluciones juntas (2017, El extranjero) y Todo tendría sentido si no existiera la muerte (2017, obra ganadora del IX Premio Germán Rozenmacher, en coproducción con el Festival Internacional de Buenos Aires, el Festival de Artes Escénicas de Montevideo, el Centro Cultural Rojas, el Centro Cultural San Martín y la Comedia de la Provincia de Buenos Aires).

En junio de 2016 estrenó una puesta de La fiera en Montevideo con elenco y músicos uruguayos, en coproducción con Medio Mundo Gestión Cultural (Uruguay), y en enero de 2018 estrenó la coproducción argentino-chilena Astronautas en Santiago de Chile, en el Festival Santiago a Mil.

Mariano Tenconi Blanco

Dramaturgo y director de teatro. Nacido en Buenos Aires, Argentina, en 1982. Integra desde 2013 la Compañía Teatro Futuro, junto al músico Ian Shifres y la productora Carolina Castro.

Como autor y director estrenó Montevideo es mi futuro eterno en 2010, Lima Japón bonsái en 2011, Quiero decir te amo en 2012, La fiera en 2013, Las lágrimas en 2014, Futuro en 2015, La fiera en Montevideo (Uruguay), Walsh artista contemporáneo en 2016, Todo tendría sentido si no existiera la muerte en 2017, Astronautas en 2018 (Chile) y La vida extraordinaria en 2018 (Teatro Nacional Argentino–Teatro Cervantes).

En 2016 fue seleccionado junto a otros 35 escritores de diferentes partes del mundo, para participar durante diez semanas de la residencia del International Writing Program de la Universidad de Iowa, el programa de escritura más antiguo y prestigioso del mundo.

Obtuvo el primer premio en la novena edición del Premio Germán Rozenmacher de Nueva Dramaturgia (2015), organizado por el Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA) y el Centro Cultural Rector Ricardo Rojas, con su obra Todo tendría sentido si no existiera la muerte, que se estrenó en 2017, en coproducción entre el Festival Internacional de Buenos Aires, el Festival de las Artes Escénicas de Uruguay, el Centro Cultural San Martín, el Centro Cultural Rojas y la Comedia de la Provincia de Buenos Aires. También obtuvo el primer premio del XVIII Concurso Nacional de Obras de Teatro del Instituto Nacional del Teatro (2016), certamen de dramaturgia que reconoce la labor autoral argentina contemporánea, con su obra La vida extraordinaria.

Fue régisseur de las óperas La libertad total, de Fagin-Katchadjian, estrenada en el Ciclo de Música Contemporánea en el Teatro San Martín (2014), y Le malentendu, ópera compuesta por Fabián Panisello sobre la obra teatral homónima de Camus, en el Centro de Experimentación del Teatro Colón, en coproducción con el Festival de Otoño de Varsovia, la Neue Oper de Viena y el Teatro Real de Madrid (2016). Escribió, junto a ocho autores, el libreto de la ópera Mentir (sobre Ada Falcón), estrenado en el Centro de Experimentación del Teatro Colón (2011).

Respecto a sus obras, La fiera ha participado en diversos festivales en Argentina y el exterior y ha recibido premios y distinciones (Trinidad Guevara, Premios Hugo, Premios Teatro del Mundo de la Universidad de Buenos Aires). Tenconi Blanco ha sido galardonado con el Premio Teatro del Mundo a mejor dramaturgo por Quiero decir te amo y La fiera; y con los Premios Hugo a mejor libro y mejor dirección por La fiera. Futuro ha sido nominada al Premio Trinidad Guevara por mejor música; Lima Japón bonsái a un Premio Teatro del Mundo por mejor video, Walsh a un Premio Teatro del Mundo por mejor iluminación. Todo tendría sentido si no existiera la muerte fue nominada a tres premios Teatro XXI (mejor actriz, mejor texto, mejor dirección), a tres premios Trinidad Guevara (mejor autor, mejor actriz de reparto, mejor actor de reparto) y a dos premios ACE (mejor autor, mejor actriz de teatro alternativo).

En 2013 participó de Pueblo Tomado, festival de teatro en Querétaro, México, y de Long Distance Affaire, proyecto de teatro por skype con sede en New York. Sus obras de dicho ciclo fueron exhibidas en Nueva York, Bucarest y en el Edinburgh Festival Fringe. En 2010 fue invitado a la Feria del Libro de Frankfurt.

Dicta clases de dramaturgia y actuación en forma privada y en instituciones como el Teatro San Martín, el Centro Cultural Rojas y la Universidad de Palermo.

“Con imaginación y audacia infrecuentes, Tenconi creó una historia apasionante sostenida por personajes finamente perfilados desde la escritura, que a su vez se encontraron sobre la escena con intérpretes insuperables” (La Nación).

“Actuaciones sólidas, personajes coloridos y una trama bien sazonada se combinan en una puesta muy cuidada para el deleite de un público muy amplio en cuanto a edades y consumos culturales” (Página 12).

“Un sacudón para el espectador. En el mejor de los sentidos. Todo está explícito, crudo y directamente expuesto sobre el escenario. Pero a la vez, suavizado y potenciado por una poética narrativa extraordinaria, un enorme sentido del humor y unas actuaciones sobresalientes” (Clarín).

“La risa para exorcizar el miedo más profundo. Todo tendría sentido si no existiera la muerte cuestiona y ahuyenta una angustia ancestral. La obra de Mariano Tenconi Blanco brilla y establece una química singular con su público” (Tiempo Argentino).

[Dirección artística] Mella Faye

[Actriz] Mella Faye

[Músicos] Sam Cox, Alex Matthew Stanford

[Técnico] Simon Christopher Booth

[Compañía] Pecho Mama

Se ha presentado en Edinburgh Festival Fring 2018 (Reino Unido).

Medea electrónica ha recibido en su país de origen grandes elogios por tratarse de un género en exploración: el concierto-teatro (gig-theatre). Se reinventa la manera de acercarnos a la historia clásica de Medea, la tragedia de una mujer que impulsada por la sed de venganza por la traición de su marido, asesina a sus hijos y huye triunfante. La música en vivo, inspirada en la electrónica de los años 80, nos conecta con el alma de este personaje y nos transporta por los lugares más recónditos de su mente, haciéndonos estremecer ante la caída de la actriz-cantante.

Pecho Mama

Se crea en 2016, con el objetivo de generar trabajo que empuje los límites entre la música en vivo y el teatro. La compañía es dirigida Mella Faye. El nombre Pecho Mama es un homenaje a las palabras de Clarissa Pinkola Estés:

“Hombre con pechos. Estos seres humanos pueden ser llamados pequeñas madres salvajes, las que te acercan a los instintos más salvajes, regocijándose cuando te ven volver con el cráneo ardiente extendido ante ti”.

Medea electrónica es el primer trabajo de la compañía, e incansablemente se alientan unos a otros (como hacen las madres salvajes), se esfuerzan por crear un trabajo que es crudo, salvaje, hermoso y desafiante.

Mella Faye

Actriz, música y directora. De 1999 a 2002 Mella realizó extensas giras como Mella Faye & The Big Band. Entre 2006 y 2012 creó y dirigió The Hurly Burly Theatre Cafe, que recorrió los principales festivales artísticos británicos y, más recientemente, cofundó Artbars. Mella ha producido muchos eventos artísticos, incluído The Brighton Family Fringe y Adur Festival. Su trabajo como directora independiente incluye un número de tráilers de teatro y producción de Pamela’s Palace por ITI. Ella ha actuado con Jennifer Bell Company, Company Paradiso. Entre 2011 y 2017, Mella cofundó y actuó con Wildheart Theatre Company.

Sam Cox

Es profesor, actor y músico. Tiene un BA Hons en música de la Universidad de Kenton y ha escrito y colaborado con Lillian Boutte, Mervyn Africa, Rob Luft, Isaac Holman, Andy Clarke, Saul Adamczewski en lugares que incluyen Tipitina’s, Nueva Orleans, 02 Academia de Islington, Ronnie Scotts y The Cavern Club. Sam actualmente lidera su propia banda de punk, Lady Bird, que toca con frecuencia en Radio 1.

Alex Stanford

Es intérprete, arreglista y compositor. Alex se formó en Guildhall School of Music & Drama, y desde entonces ha trabajado con Liane Carroll, Andy Sheppard, Yasmin Levy, Digby Fairweather, Denys Baptiste, Soweto Kinch, Gilad Atzmon, Stan Salzmann en lugares como 02, Royal Festival Hall, Royal Albert Hall, Barbican y Hackney Empire.

“(…) Pecho Mama have crafted a play that taps deep into something primal within you and is simply awe-inspiring to see. It is theatre at its most intense, frightening, visceral and, at times, painful to watch. I loved every single minute of it” (Broadway baby).

“This is a show that truly has to be seen to be believed. It’s difficult to describe the intensity that engulfs the room, from the very first pulse of synthesizer to Medea’s dramatic final actions” (Please mind the blog).

“Medea electronica is a sublime sensory experience -blending cutting edge musical compositions, emotive dramatics and classic storytelling results in stunning theatrical vision” (Culture Fix).

“I cannot recommend this jaw dropping performance enough, hats off to this immensely talented trio for taking a Greek tragedy and perfectly placing it in a contemporary, and very real, setting” (Club Magazine).

[Dramaturgia y dirección] Jimena Márquez

[Actores] Gabriela Iribarren, Jimena Vásquez y Santiago Duarte

[Producción general] Carolina Escajal

[Diseño de escenografía] Gerardo Egea

[Diseño de iluminación] Inés Iglesias

[Diseño de vestuario] Gerardo Egea

[Diseño de sonido] Santiago Duarte

[Dirección de movimiento] Santiago Duarte

[Compañía] Medio Mundo Gestión Cultural

Proyecto apoyado por el Ministerio de Educación y Cultura de Uruguay y el Instituto Nacional de Artes Escénicas.

Festival Internacional de Artes Escénicas 2018 (Panamá), Mirada Festival Iberoamericano de Artes Escénicas 2018 (Brasil).

Lítost nos habla del entendimiento. A través de sus personajes, apela a diferentes lenguajes, como el corporal, el literario y poético, el coloquial, y cómo su coexistencia puede generar diferentes visiones sobre la realidad, que muchas veces, llegan a ser incompatibles entre sí. Es como tratar de expresar palabras que no tienen traducción en otro idioma.

Jimena Márquez

Profesora de literatura egresada de I.P.A. Actualmente coordina su propio taller intensivo de dramaturgia y se desempeña como docente de arte escénico en la escuela del teatro El Galpón. En 2009 obtuvo el Florencio en el rubro Revelación por la dirección y la dramaturgia de su pieza Cajas chinas, ganadora del concurso A Escena del MEC. En 2018 estrena La refinada estética de los hijos de puta en el Teatro Victoria, de su autoría, y obtiene la beca FEFCA, otorgada por el MEC en dramaturgia. En 2017 realiza su segunda dirección para la Comedia Nacional, con la obra de su autoría La sospechosa puntualidad de la casualidad; la dirección escénica de Montevideo, cuna de la Cumparsita en el Teatro Solís, con la Orquesta Filarmónica de Montevideo y de la zarzuela La verbena de la paloma con la Banda Sinfónica de Montevideo en el Teatro Solís. En el año 2016 realizó su primer trabajo con la Comedia Nacional, dirigiendo la pieza de su autoría: La duda en gira. Su pieza Lítost, fusión de teatro y danza urbana, estrenada en la Zavala Muniz, representó a Uruguay en los festivales internacionales de Rafaela (Santa Fe), Vicente López (Buenos Aires), Timbre 4 (Buenos Aires) y Festival de Artes Escénicas de Panamá. Su obra Te pasa algo cuenta con tres versiones argentinas y dos españolas y una mención especial en el concurso de textos teatrales de CO.FON.TE. La escritora de comedias resultó ganadora del concurso de obras teatrales inéditas del Teatro del Notariado y nominada al Florencio en la categoría Comedia. Dirigió el egreso de la generación 2012 del I.A.M. con la exitosa pieza El club de los idiotas, y, con la misma compañía, tras ganar el concurso de CO.FON.TE, estrenó El barrio de los solos en Teatro Alianza. En el rubro infantil, obtuvo dos veces el Florencio a mejor dirección, por El tesoro olvidado de la familia RTMFRJMK y Los músicos de Bremen, pieza por la que obtuvo también el Florencio por las letras de sus canciones y realizó la dramaturgia de Anina, el musical. Las tres piezas obtuvieron el Florencio a mejor espectáculo.

“(…) se trata de una creadora sumamente irregular, pero también muy talentosa, y con Lítost, o la frustración (…) retoma su mejor camino como dramaturga. Dado el subtítulo de la obra La frustración, Jimena Márquez enfoca uno de los problemas más serios del hombre (…). Es un trabajo severo el que se propuso Jimena Márquez, porque no es sencillo manejar los extremos del absurdo como lo hace ella (…) o recurrir a la ironía en los momentos más crudos de la historia. Dejar incluso que se sienta algún toque de poesía, en medio de un drama que recurre también a elementos de patetismo, o corta abruptamente una situación para dar entrada al humor (…). La obra se mueve pendularmente entre la naturalidad y el absurdo, entre la sátira y el drama, y así funciona, así interesa, incluso atrapa al espectador (…). Gabriela Iribarren se regodea buceando en los rincones más íntimos de un personaje singular como ese que le ha tocado por suerte, un personaje patético que transforma su gran egoísmo en un escudo contra el padecimiento que le produce la visión de su propia miseria. De ahí el nombre de Lítost (…)” (Carve 850 am).

[Dramaturgia] Creación colectiva de Vaca35 Teatro en Grupo

[Dirección] Diana Magallón

[Codirección] Damián Cervantes

[Elenco] José Rafael Flores (actor) y Alberto Rosas (músico)

[Diseño de espacio e iluminación] Natalia Sedano

[Asistente de dirección] Mari Carmen Ruiz

[Compañía] Vaca35 Teatro en Grupo

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Josefina la gallina puso un huevo en la cocina se ha presentado en el Festival Jornadas Escénicas 2018 (Aguascalientes, México) y ha tenido temporadas en los teatros Área 51 Foro (Xalapa, Veracruz, México, septiembre 2018), Sala Atrium (Barcelona, Catalunya, España, mayo 2018), Un Teatro (temporada de estreno. Ciudad de México, marzo 2018).

La obra resulta un tratado sobre la soledad. El planteamiento es simple y, por lo mismo, complejo en su desarrollo. Se trabajan las emociones del propio actor, rastreándolas a través de su imaginario. La estructura teatral resultante debate los límites reales y ficcionales del actor, el personaje, el espectador, el espacio, y plantea una postura frente a la desolación humana. Con profunda humanidad y poesía, José Rafael Flores nos relata cómo llegó a convertirse en una gallina.

Vaca35 Teatro en Grupo A.C. (México)

Un grupo de actores y actrices hacedores de teatro en perpetuo diálogo conmemorando sus doce años de trayectoria (2007-2019). Diez obras de creación del grupo, cuatro producciones a través del apoyo La Vaquita. Ha obtenido distintos reconocimientos, y ha viajado a diversos festivales nacionales e internacionales (España, Cuba, Bosnia-Herzegovina, Brasil, Chile, Italia, Portugal, Argentina, Uruguay, Perú, Colombia, Japón, Canadá). La agrupación trabaja en montajes e investigaciones escénicas, así como en su entrenamiento, laboratorios y diversas sesiones de estudio. Busca ofrecer una alternativa teatral, un pensamiento de autonomía e independencia creativas, en búsqueda del desarrollo del hecho teatral; así como una experiencia honesta, en diálogo directo con su espectador y comprometida con la obra misma y su entorno.

Diana Magallón (directora)

Actriz de teatro egresada de la licenciatura en actuación de la Casa del Teatro (2001-2005). Es cofundadora y actriz del Grupo Vaca35 Teatro en Grupo A.C. (2007). Como actriz ha participado con distintos directores en proyectos como Los espíritus no tienen peso, Extrañamiento del mundo de Botho Strauss, El pánico y Shopping and Fucking. Como actriz del Grupo Vaca35 Teatro, a lo largo de doce años formó parte de las obras El loco amor viene, casualmente…, creación colectiva basada en la famosa novela de Milan Kundera; Lo único que necesita una gran actriz es una gran obra y las ganas de triunfar; Ese recuerdo ya nadie te lo puede quitar; Los equilibristas; Cuando todos pensaban que habíamos desaparecido (Gastronomía Escénica), coproducción Vaca35 Teatro en Grupo + Fira Tárrega + NauIvanow (México-Catalunya-España), todas bajo la dirección de Damián Cervantes. Dichas obras han participado en múltiples festivales de México. En 2013 realiza su primera gira a diversos festivales internacionales: Fringe Madrid, Fira Tàrrega en Catalunya, Casa Tomada en Cuba. Lo único que necesita una gran actriz es una gran obra y las ganas de triunfar es la primera obra mexicana con temporada de 39 funciones en Matadero, Madrid, y Sala Atrium, Barcelona. En 2014 participa en dFeria (Donosti-San Sebastián). En 2015 participa en la edición 55 del Festival Internacional de Teatro MESS de Sarajevo, Festival MIRADA 2016, Santos, Brasil, y en el Festival Internacional Santiago a Mil, Chile 2017. Ese mismo año, en Festival Temporales Teatrales de Puerto Montt, Chile, y Festival Internacional de Teatro de Rafaela, Argentina. En agosto de 2017 se inicia como directora con la obra Josefina la gallina puso un huevo en la cocina. Recientemente tuvo temporada en Foro Cultural; Un Teatro; y Sala Atrium en Barcelona 2018.

Damián Cervantes (codirector y dramaturgo)

Director. Laboratorio Multidisciplinar Fadjr International Theatre Festival (Teherán, Irán 2018). Premio Jurislav Korenic Award mejor director joven (Festival Mess, Sarajevo, 2015). Becario Internationales Forum del Festival Theater Treffen, Goethe Institut (Berlín, Alemania, 2015). Diseñador escénico seleccionado, Cuadrienal de Diseño de Praga (PQ 2015). Beneficiado por Iberescena para coproducción México-Catalunya-España (2015). Becario Fonca Jóvenes Creadores (Dirección escénica) 2012-2013. Mejor director y mejor obra FITU 2018, Teatro UNAM. Egresado de licenciatura en actuación de la Casa del Teatro (2002-2006). Como actor participó en varios proyectos con diversos directores. Cursó el Diplomado Nacional de Producción Teatral. En la docencia, maestro adjunto de la Licenciatura de Casa del Teatro, así como en el CUT (Centro Universitario de Teatro), profesor de teatro en el TEC de Monterrey (ITESM). Ha impartido talleres de teatro en Barcelona, San Sebastián y Madrid, España, y Timbre4, Buenos Aires; así como en diversas ciudades de México. Profesor de la Maestría en Artes Escénicas de la Rose Bufford College, Londres 2017. Jurado de muestras estatales de teatro y PECDA en México. Panelista en diversos foros en México como Transdrama y Telecápita, así como en el extranjero: Cuba, Perú, Argentina, Chile (Santiago a Mil), España, entre otros. Director de nueve obras profesionales desde el 2007: Catástrofe, de Samuel Beckett; ciclo No queda nada que decir; 5 directores, 5 obras cortas (Teatro UNAM); El funesto destino de Karl Klotz, de Lukas Linder (Drama Fest CDMX-Oaxaca-Suiza). Cofundador y director artístico de Vaca35 Teatro en Grupo A.C. (México en Escena 2015-2017). Director de ocho obras en el grupo, también actor, las que han obtenido reconocimientos y premios, y ha viajado a diversos festivales y realizado temporadas teatrales nacionales e internacionales. La obra más emblemática del grupo, Lo único que necesita una gran actriz es una gran obra y las ganas de triunfar (a partir de Genet), ha tenido participación en festivales y funciones en 13 países, 28 ciudades y tres continentes.

“Cargado de plumas e imaginativos momentos, este unipersonal explora, a través de la consistencia actoral de José Rafael Flores, toda la carga emocional del migrante, quien sin haber salido de su propio país, resulta atravesado por tantas vulnerabilidades y discriminaciones (…). La melancólica música releva la añoranza de lo que pasó y que hoy no es más que un recuerdo empollado con tanta ternura que, si se toma con mucha fuerza, puede romperse cual cascarón, para no volver a ser el mismo” (Diario de Xalapa).

“Sola, rodeada de sus queridos huevos, nos cuenta su particular historia. La conmovedora grandeza de la gallina Josefina reside en la extremada humildad de su concepción y puesta en escena” (Recomana).

[Concepto y dirección] Jérôme Bel

[Asistente de dirección] Maxime Kurvers

[Elenco] Reparto por definir

[Vestuario] Propio del elenco

[Producción general] R.B. Jérôme Bel (París)

[Asistentes coreográficos a cargo de la puesta en escena en Lima]

Henrique Neves y Maxime Kurvers

[Producción ejecutiva] Gran Teatro Nacional

[Compañía] R.B Jérôme Bel

R.B. Jérôme Bel

[Asesoramiento artístico y dirección ejecutiva] Rebecca Lee

[Director de producción] Sandro Grando

[Asesoramiento técnico] Gilles Gentner

Una producción de R.B. Jérôme Bel (París)

[Coproducción] Dance Umbrella (Londres), TheaterWorks Singapore/72-13, Kunsten Festival des Arts (Bruselas), Tanzquartier Wien, Nanterre-Amandiers Centre Dramatique National, Festival d’Automne à Paris, Theater Chur (Chur) et TAK Theater Liechtenstein (Schaan)–TanzPlan Ost, Fondazione La Biennale di Venezia, Théâtre de la Ville (París), HAU Hebbel am Ufer (Berlín), BIT Teatergarasjen (Bergen), La Commune Centre Dramatique National d’Aubervilliers, Tanzhaus NRW (Düsseldorf), House on Fire.

[Con el apoyo de] Centre National de la Danse (Pantin) y Ménagerie de Verre (París) en el marco de Studiolab, dedicado a proporcionar espacios de trabajo.

[Agradecimientos] Socios y participantes en el workshop de danza y voz, NL Architects y Les rendez-vous d’ailleurs.

R.B. Jérôme Bel está subvencionada por la Dirección Regional de Asuntos Culturales de Ile-de-France del Ministerio de la Cultura y la Comunicación, el Institut Français, el Ministerio de Asuntos Exteriores de Francia para las giras internacionales y por ONDA (Office National de Diffusion Artistique) para las giras en Francia.

Gala (2015) se ha presentado en Festival d’Automne à Paris (Francia, 2015 y 2017), Joint Adventures, Access to Dance (Alemania, 2016), Carrefour International de Théâtre (Canadá, 2016), Festival TransAmériques (Canadá, 2016), Festival de Marseille (Francia, 2016), Tanzzeit Festival Winterthur (Suiza, 2016), Wiesbaden Biennale (Alemania, 2016), Philadelphia Live Arts Festival (Estados Unidos, 2016), New European Theatre (Rusia, 2016), Festival Internacional de Teatro Santiago a Mil (Chile, 2017), Festival de Arte de Adelaida (Australia, 2017), Cialo/Umysl Festival (Polonia, 2017), George Town Festival (Malaysia, 2017), Festival de Danza Contemporánea de Navarra-DNA (España, 2018), Baltoscandal Festival (Estonia, 2018), Taipei Performing Arts Festival (Taiwán, 2018), Festival Internazionale Nuova Danza (Italia, 2018).

¿Has estado alguna vez en una de esas galas en las que los artistas, a menudo aficionados, comparecen ante el público para mostrar lo que saben hacer? Pues esta misma estructura es la de este montaje coreográfico, una nueva ocasión que Jérôme Bel aprovecha para seguir deconstruyendo, como en propuestas anteriores, la representación institucional de la danza.

Esta pieza sigue la línea que Jérôme Bel planteó en Disabled Theater (2012), una pieza representada por un grupo de actores que sufrían alguna discapacidad mental, y Cour d’honneur (2013), que ponía en el centro de la escena a un grupo de espectadores.

Jérôme Bel

Coreógrafo y bailarín francés, con más de quince creaciones presentadas alrededor del mundo. Los filmes de sus presentaciones son exhibidos en bienales de arte contemporáneo e importantes museos. En 2016 creó MoMA Dance Company, representada por algunos miembros del personal del Museum of Modern Art de Nueva York. A menudo realiza conferencias en varias universidades. En 2013, el libro Emails 2009-2010, escrito con el coreógrafo francés Boris Charmatz, es editado por Les Presses du Réel. En 2016, la versión en inglés del libro es publicada en internet por la misma editorial. En 2005, Jérôme Bel recibió el Bessie Award por las presentaciones de Show Must Go On (2001) en Nueva York. En 2008 Jérôme Bel y Pichet Klunchun recibieron el Routes Princess Margriet Award for Cultural Diversity, del European Cultural Foundation, por la obra Pichet Klunchun and Myself (2005). En 2013, su obra Disabled Theater (2012) fue seleccionada para el Theatertreffen, en Berlín, y ganó el Swiss Dance Awards – Current Dance Works.

“Gala forces audience expectations to the fore, and blurs the lines between failure and success in performance as it suggests that theater is community, both onstage and off. It’s a tour de force, wildly entertaining and truly radical” (The New York Times).

“There is a masterful range of styles and skills to be seen on the dance stage today. Yet the french choreographer Jérôme Bel can open our eyes, and our hearts, to a completely different spectrum – a spectrum that embraces all the ways that ordinary people can dance, and all the ways that dancing can make them feel” (The Guardian).

[Dirección] Felipe Hirsch

[Dramaturgia] Adaptación del libro Facsímil de Alejandro Zambra, por Felipe Hirsch

[Elenco] Trinidad González, Manuela Martelli, Rafael Contreras, Moisés Angulo y Matteo Citarella

[Asistente de dirección local] Daniel Recabarren

[Dirección de arte] Daniela Thomas y Felipe Tassara

[Iluminación] Beto Bruel

[Música original] Arthur de Faria y Mariá Portugal

[Vestuario] Carolina Norero

[Coproduce] Mostra Internacional de Teatro de São Paulo – MITsp, Fundación Teatro a Mil y el Teatro de la Universidad Finis Terrae

Esta obra se presentó el año 2018 en el Festival Internacional Santiago a Mil (Chile).

Democracia es una propuesta multidisciplinar de gran visualidad y performatividad, que cruza trazas autobiográficas con literatura y teatro. La obra reflexiona sobre la democracia como sistema en crisis: “Hoy en día la democracia es sólo una palabra… vivimos en un régimen que nos permite escoger gobernantes que están sobre nosotros, pero esa no es la democracia griega con su sistema de asambleas, es lo contrario. Lo opuesto a la democracia no es necesariamente la dictadura, y nos deberíamos estar preguntando: ¿qué democracia es ésta que nos educó de esta manera?, ¿qué nos obligó a pensar con tan pocas alternativas?”, plantea Hirsch. Su propuesta estética es deslumbrante: los encargados de la dirección de arte son Daniela Thomas y Felipe Tassara, quienes conforman T + T Projectos. Durante los últimos treinta años han desarrollado el diseño para exposiciones y museos, óperas y teatros, además de trabajar como cineastas y directores de arte. Su trabajo se ha visto en todo el mundo y ha sido galardonado con premios como el Prague Quadriennal de Golden Triga, de Stage Design, y el Golden Palm en el Festival de Cannes. Daniela Thomas fue una de las directoras creativas de la Ceremonia de Apertura Olímpica Río 2016, y junto con Felipe Tassara hizo el diseño de producción final del espectáculo.

Felipe Hirsch

Es un director de cine y teatro brasileño. Reconocido por sus trabajos que unen literatura, música y teatro, inicia su investigación escénica con Sutil Compañía de Teatro, de la cual fue director por veinte años. En 2013 funda Ultralíricos, compañía con la que inicia el proyecto Puzzle, que creó especialmente para la Feria del Libro de Frankfurt. Ha dirigido las películas Insolação (2009) y Severina (2017), presentadas en importantes festivales de cine como Venecia y Locarno. En 2006 el diario O Globo lo escogió como uno de los cien pensadores brasileños más influyentes del país.

Alejandro Zambra

Es escritor. Sus historias han sido publicadas en Quimera, Letras Libres, Piauí, The New Yorker, The Paris Review, McSweeney’s y Zoe Trope. En Chile ha ganado el Premio de la Crítica, el Premio Altazor y el Premio del Consejo Nacional del Libro y en entre las distinciones internacionales obtuvo el Premio English PEN y el Premio Príncipe Claus. Fue finalista del Premio Frank O’Connor de Cuento Internacional, del Premio Literario IMPAC de Dublín y del Premio Médicis de Francia. En 2010 fue nombrado uno de los mejores novelistas jóvenes en español por la prestigiosa revista Granta.

“Democracia es la segunda obra con que el brasileño Felipe Hirsch vino a mostrar por qué se le ha elogiado y laureado como el innovador teatral más brillante de su país (…). Una ácida crítica a qué entendemos y cómo nos afecta el sistema político que nos gobierna (…). Esto no se parece a nada que se haya visto” (El Mercurio).

“El Chile al que le pone rostro Democracia (es) el Chile de la posverdad, de los docurealities. Corta resulta toda temporada en cartelera para piezas como esta” (El Desconcierto).

[Dramaturgia] Alfonso Santistevan

[Dirección] Alberto Isola

[Asistente de dirección] Daniela Zea

[Actores] Miguel Dávalos, Alejandra Guerra, Janncarlo Torrese, Santiago Torres

[Diseño de iluminación] Micaela Cajahuaringa

[Diseño de vestuario] Magnolia López de Castilla

[Concepto y realización de escenografía] Ana Osorio y Xabi Gracia

[Producción ejecutiva] Monserrat Gómez de la Torre y Yanira Dávila

[Producción general] Especialidad de Teatro de la Facultad de Artes Escénicas y el Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú

[Presentado por] Especialidad de Teatro de la Facultad de Artes Escénicas y el  Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú

Esta obra fue presentada en el Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú el año 2018. El texto ha sido montado varias veces en Lima desde su estreno en 1993.

Vladimir retrata la desilusión de una generación ante el cambio. La mudanza de la madre a EE. UU. por motivos económicos representa la muerte de sus ideales y la despedida con su hijo, simboliza la necesidad de otros relatos que den sentido a la vida. Es uno de los textos fundamentales del teatro peruano contemporáneo. Apreciar esta obra ayuda a observar el pasado, para repensarlo, para no repetirlo.

Alberto Isola

Se formó como actor y director en Perú, Italia e Inglaterra. Ha recibido condecoraciones por el Congreso de la República, el Gobierno de Italia, la Municipalidad de Lima, el Ministerio de Cultura, entre otros. Es profesor de la Facultad de Artes Escénicas de la PUCP y de los talleres de actuación de Escena Contemporánea. Ha participado en más de un centenar de espectáculos teatrales, siendo los últimos, como actor, Vanya, Sonia, Masha y Spike; Cielo abierto; El gran teatro del mundo; La tempestad; Todos los sueños del mundo y Almacenados, en el teatro del CCPUCP. Asimismo, como director ha estrenado en los últimos años Nunca llueve en Lima, El dolor, La historia de un soldado, La piedra oscura y Cintas de seda. Y ha participado en múltiples telenovelas y series televisivas peruanas.

“La idea es confrontar dos generaciones que tienen distintas visiones sobre el futuro y los sueños […]. Era el inicio de la época de Fujimori y cuando se promulgó la nueva Constitución, algunas personas sentían que no había lugar para ellas en el Perú, por eso migraron” (Peru21.pe).

“Vladimir habla de los jóvenes de clase media que en los años setenta se comprometieron a luchar políticamente por la igualdad entre los peruanos. La acción sucede a inicios de los noventa –entre torres derribadas y apagones–: están desanimados después de lustros de incongrua espera, reducidos a precaria sobrevivencia, con temor a romperse, buscando reavivar los rescoldos de los ideales en los que creyeron […]” (El Comercio).

“Pobreza, migración, hiperinflación, violencia y crisis social fueron los problemas que marcaron a los peruanos en la década de los años 80 y parte de los 90. En esa línea, el escritor y director Alfonso Santistevan intenta evidenciar, a través de sus obras teatrales, una sociedad cuyo presente aún tiene heridas y problemas que no ha logrado resolver” (Diario Correo).

[Dirección artística] Sergio Maggiolo

[Dramaturgia] Creación colectiva

[Actores] Fernando Castro, Dusan Fung, Beatriz Heredia, Sergio Maggiolo, Óscar Meza, Jely Reátegui

[Producción general] Milagros Crisóstomo

[Asistentes de producción] Linda Pasco, Carlos Daniel Salazar

[Diseño de luces y sonido] Vanessa Geldres

[Presentado por] Un intento valiente

Esta obra fue presentada en Amaru Casa Cultural y en el Centro Cultural Cine Olaya en el año 2018.

Una obra con un formato novedoso mediante el cual el público decide qué historias se van a contar. De esta forma azarosa, los espectadores generan una nueva manera de contar la misma obra en cada función. Los actores construyen cada una de estas historias desde su mundo interior y con una gran dosis lúdica intentan sostener lo aparentemente insostenible, generando una metalectura de cómo construir espacios de convivencia sin grandes recursos, desde lo más sencillo.

Sergio Maggiolo

Actor, director y gestor de teatro. Se graduó como actor del Atlantic Acting School Conservatory de la Universidad de Nueva York en 2013, y, previamente, de los talleres de Bruno Odar, Alberto Isola y Roberto Ángeles. Hasta 2011 participó en producciones teatrales como El Señor de las Moscas y Amigos invisibles, entre otras, y en la película Vidas paralelas de Rocío Lladó. En Nueva York trabajó como actor y director con las compañías Pipeline Theatre Co., The Plinth y Untitled Players. Actualmente se desempeña como miembro del elenco de The Dirty Thirty de Degenerate Fox Theatre, compañía de la que es también cofundador. Es parte del colectivo Out of the Wings de King’s College London y asociado artístico de la Spanish Theatre Co., donde ha dirigido la primera versión en inglés de la obra La piedra oscura de Alberto Conejero; y ha actuado en versiones bilingües de Bodas de sangre y Los entremeses de Cervantes. Hoy dirige EVERFLEA, obra comisionada del festival de teatro latinoamericano CASA Festival a estrenarse en Londres en el mes de noviembre.

“La cuenta regresiva se detiene en 0:53, y yo estoy aplaudiendo y celebrando a rabiar. Aún no estoy seguro de cómo voy a definir el espectáculo que acabo de ver, pero tengo claro que es algo que todos deberían ver, al menos una vez en la vida” (La mula.pe).

[Dramaturgia y dirección] Mariana de Althaus

[Dirección adjunta] Nadine Vallejo

[Actores] Alberto Isola, Gabriel Iglesias, Sergio Llusera, Matías Raygada, Sofía Rocha, Vanessa Vizcarra

[Producción] Británico Cultural

[Asistente de producción] Norma Tolentino

[Grabación y edición de audios] Eduardo Ortega

[Diseño de utilería y escenografía] Eduardo Camino

[Diseño y realización de títeres y teatrín] Beatriz Chung

[Diseño de iluminación] Micaela Cajahuaringa

[Diseño de vestuario] Magnolia López de Castilla

[Asesoría coreográfica] Mónica Silva

[Presentado por] Británico Cultural

Esta obra fue presentada en el Teatro Británico el año 2018.

La obra habla sobre la dinámica de la creación teatral como un espacio privilegiado para observar asuntos que nos reflejan y nos importan a todos; temas que pueden ser abordados con la impunidad que da el escenario. Todos los sueños del mundo es una reflexión sobre el sentido que tiene construir esfuerzos colectivos no asociados a las exigencias del mercado, como el teatro. Nos interpela sobre los abismos que nos separan de las personas que pueden convertirse en nuestros espejos, y nos cuestiona sobre los caminos para acercarnos a los demás.

Mariana de Althaus

Dramaturga y directora de teatro. Bachiller en Literatura por la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP) y actriz egresada de los talleres de Roberto Ángeles y Alberto Isola. En el año 2002 estudió Dirección en la escuela La Casona en Barcelona, España. Fue ahí donde dirigió su primera obra titulada En el borde.

Entre las obras más destacadas que ha escrito y dirigido en el Perú se encuentran Criadero, Ruido, El lenguaje de las sirenas, El sistema solar, posteriormente llevada al cine, y Padre Nuestro. Estas dos últimas obras fueron nominadas a los premios Luces del diario El Comercio durante los años 2012 y 2013.

“La pieza es un reconocimiento al teatro peruano en la persona de Alberto Ísola. Es una puesta compleja, multirreferencial, metateatral, sinfónica y contrapuntística, que se da entre infinitos ensayos, repeticiones, regresiones, rememoraciones, apariciones, traslapes crónicos y descontextualizaciones, dentro de una estructura como de rompecabezas, que permite lucir el virtuosismo de los cinco actores y el esfuerzo del niño” (El Comercio).

“En esta sala de ensayo que se escenifica, se propone que parte del trabajo que realizan los actores requiere de un elemento clave, la empatía. Esa capacidad que permite ponerse en el lugar del personaje, comprenderlo y mirar el mundo a través de él. De alguna forma, para De Althaus, los actores son una suma de los personajes que representaron, que llevan una mochila imaginaria que se va llenando, con los años. Esa suma de lo vivido y lo creado” (Perú 21).

“Ella (Mariana de Althaus) le propuso hacer un montaje testimonial ─como otras de sus obras─, pero el resultado final resulta un homenaje al teatro peruano; además de una reflexión sobre la familia, los recuerdos y la necesidad de luchar por lo que uno cree” (RPP Noticias).

[Dramaturgia y dirección] Marisol Mamani Avilés

[Actores] Marisol Mamani Avilés y Ernesto Ayala Oria

[Asesoría de dirección] Yasmín Loayza

[Música en vivo] Pepe Toro

[Dirección audiovisual] Marcos Josué Arispe Tejada

[Producción general] Cristina Flores Cateriano y Marivel Ariza de Fértil Teatro

[Diseño de escenografía] Carola Gutiérrez Paz

[Diseño de vestuario] Marisol Mamani Avilés

[Diseño de iluminación] Carola Gutiérrez Paz

[Diseño de sonido] Marisol Mamani Avilés

[Dirección de movimiento/otros] Yasmín Loayza

[Realización de videos] Marcos Josué Arispe Tejada, Eduardo Castillo, Adaly Portocarrero y Ralp León Arias

[Presentado por] Fértil Teatro

Esta obra fue ganadora del Primer Festival de Escenas Cortas de la Escuela Nacional de Arte Dramático (Lima, Perú) en el año 2017.

Quédense cerca de mí reconstruye la memoria reciente de la historia del Perú. Relata la búsqueda que las madres víctimas del conflicto armado interno en los años 80 emprendieron para encontrar a sus familiares desaparecidos. Esta búsqueda es liderada por Mamá Angélica, fundadora de la Asociación Nacional de Familiares Secuestrados, Detenidos y Desaparecidos del Perú (Anfasep) y activista por los derechos humanos. Se estima que en ese período hubo más de 16 mil desaparecidos.

Marisol Avilés Mamani

Actriz egresada de la Escuela Nacional de Arte Dramático (ENSAD) y de los talleres de Ópalo a cargo de Jorge Villanueva. Ha actuado en numerosas obras de teatro entre las que destacan Juan sin miedo, Peer Gynt y La piedra.

“Se trata de una puesta en escena inspirada en la vida de la activista y en las historias de otras mujeres, que combina el teatro testimonial con la performance y el documental” (Diario El Comercio).

“La puesta está a cargo de Marisol Mamani Avilés. Una creación híbrida de estilo posdramático que fusiona el teatro testimonial, el performático y el documental, ganadora del Primer Festival de Escenas Cortas de la Escuela Nacional de Arte Dramático (ENSAD) en 2017” (LaRepública).

[Dramaturgia y dirección] Leonor Estrada y Maricarmen Gutiérrez

[Asistencia de dirección] Jimena Acuña

[Testimoniantes] Liliana Albornoz, Vero Ferrari, Gina Guerrero, Haydee Massoni, Olga Mori

[Producción ejecutiva] Diana Daf Collazos

[Dirección audiovisual y arte] Diana Daf Collazos

[Cámara de video y fotografía] Kirk Noesdeaki

[Equipo de preproducción] Silvia Tomotaki, Antonio Venegas, Alejandro Larco, Milagros Felipe y Lucía Obando

[Gestión general del proyecto] Maricarmen Gutiérrez

[Presentado por] Proyecto Maternidades

Esta obra se presentó en el Festival Sótano 2, organizado por el Centro Cultural de la Universidad del Pacífico, en el Centro Cultural de España en Lima, el FITECA en Lima y en el Festival Entepola en Jujuy (Argentina).

Proyecto Maternidades es una investigación escénica documental sobre los derechos sexuales y reproductivos de las mujeres en el Perú. Este proyecto articula una serie de testimonios personales enlazados por la experiencia de la maternidad, socialmente considerada como el centro de la vida sexual de las mujeres, y propicia la discusión abierta sobre el tema entre mujeres.

Leonor Estrada

Directora de teatro, actriz y activista feminista. Es bachiller en Artes Escénicas por la Facultad de Comunicaciones de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP) y egresada de la Escuela Profesional de Circo La Tarumba. Es directora y fundadora de TROT Teatro.

Ha dirigido En alta mar (2012) de Slawomir Morozek, Woyzeck. Experimento sobre el texto de Georg Büchner (2013-2014) y El anhelo de Juan (2016-2017), de Telmo Arévalo, y esta última obra fue seleccionada como participante de la edición 2017 del FAE Lima. Ha sido directora adjunta en obras de teatro testimonial, como Desde afuera (2014), dirigida por Sebastián Rubio y Gabriel de La Cruz y Tregua (2017), de Sebastián Rubio. También como directora adjunta ha participado del montaje Lucha Reyes (2017), de Eduardo Adrianzén, dirigida por Rómulo Assereto, y como asistente de dirección en Savia, de Luis Alberto León, dirigida por Chela de Ferrari (2017). Ha actuado en Deshuesadero (2016) y Gnossiene (2017), ambas obras de la Compañía de Teatro Físico, bajo la dirección de Fernando Castro. Actualmente estudia una maestría en Classical and Contemporary Text-Directing en el Royal Conservatoire of Scotland.

Maricarmen Gutiérrez

Directora de teatro, performer y activista feminista. Licenciada en Artes Escénicas de la Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP). Egresada del Curso de Especialización en Teatro y memoria, producido por el Goethe Institute-Lima y el Centro Cultural de la Universidad del Pacífico.

En teatro ha sido directora adjunta de La hija de Marcial, escrita y dirigida por Héctor Gálvez. Ha co-dirigido con Fernando Castro A ver, un aplauso! – La Ruta Ambulante, de César de María. Ha dirigido Reflejo Animal, unipersonal de Moyra Silva (2015), además de performances individuales y colectivas en torno al tema de la despenalización del aborto en el Perú en diversos espacios. También escribió y dirigió Submarino en el Desierto.

Ha sido jefa de práctica del curso Proyecto Final de Artes Escénicas de la especialidad de Artes Escénicas en la Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación de la PUCP (2016-2017) y jefa de práctica del curso Investigación Académica de la Facultad de Artes Escénicas de la  PUCP (2017-2018). Es artista colaboradora de elgalpon.espacio.

“Proyecto Maternidades es un impulso genuino, un bálsamo para hacer frente con honestidad a muchas de las incertidumbres que, como mujeres, nos toca vivir y a las elecciones que nos corresponden por derecho. Los testimonios de estas mujeres y sus diferentes puntos de vista –con los que se puede o no estar de acuerdo- han sido valiosos y valientes. Una puesta que no confronta; por el contrario, está hecha de mujeres para mujeres, que sin querer queriendo nos identificamos en alguna o parte de estas historias” (Blog El Oficio Crítico).

[Dramaturgia] Luis Alberto León

[Dirección] Chela De Ferrari

[Asistencia de dirección] Carlos Galiano

[Actores] Nidia Bermejo, Emilram Cossío, Rodrigo Rodríguez, Alaín Salinas, Jesús Tantaleán, Carlos Victoria

[Producción general] Mariana Soria

[Diseño de escenografía y vestuario] Chela De Ferrari, Luis Alberto León

[Diseño de iluminación] Jesús Reyes

[Diseño y producción sonora] José Balado

[Coreografía] Ana Correa

[Presentado por] Teatro La Plaza

Obra ganadora del Festival Sala de Parto del año 2013. Se estrenó en el Teatro La Plaza en 2014. Se presentó en diversos festivales internacionales como el Festival Santiago a Mil (Chile), el Cervantino (México), el Internacional de Buenos Aires (Argentina), el Festival de Teatro Iberoamericano “Adelante” (Heilderberg, Alemania) y el Festival Iberoamericano de Teatro (Bogotá, Colombia).

La cautiva reabre el debate sobre el trágico episodio en la historia del Perú: la guerra interna entre los años 1980 y 1992. Inspirada en un testimonio de la Comisión de la Verdad y Reconciliación (CVR) sobre los casos de delitos sexuales ocurridos en el pueblo de Uchiza. Es una obra que invita a revisar un episodio sumamente doloroso de la historia reciente del país, que aún se encuentra en proceso de sanación.

Chela De Ferrari

Estudió pintura en la Universidad de Río Piedras, en Puerto Rico, y teatro en el Club de Teatro de Lima. Trabajó como directora del Grupo Extras en Córdoba, Argentina, y luego, como directora invitada, en el Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Es fundadora y directora artística del Teatro La Plaza desde su creación en 2003. La programación, que incluye numerosas producciones, reúne textos clásicos y trabajos de nueva dramaturgia. En 2013 crea Sala de Parto, un programa para estimular el nacimiento de obras y autores peruanos, que premia anualmente diez obras por concurso. Algunos de sus trabajos como directora son La cautiva, de Luis Alberto León; Ricardo III, de William Shakespeare; La fiesta de cumpleaños, de Harold Pinter; El beso de la mujer araña, de Manuel Puig; La celebración, de David Eldridge; Coraje en el exilio, en homenaje a Bertolt Brecht, escrita y dirigida por ella; y El contrabajo, de Patrick Süskind, entre otras.

“Es un viaje donde la línea entre la vida y la muerte se pierde; o en todo caso se vuelve confusa, vaga, borrosa; gracias a que el autor decide usar un tema como la visión escatológica tan presente en zonas como Ayacucho para hacer más interesante aún su historia […]. La cautiva es una obra que viaja entre lo onírico, lo psicótico, y las creencias del mundo propio de cada uno de sus personajes” (Blog: Mi reino por una entrada).

“Es una reflexión de los peores años y de la violación más brutal de la historia peruana. Por una parte, de cómo el país se desangró por el terrorismo y, por otra, cuál fue la cruel respuesta de los militares” (útero.pe).

“Es, realmente, una obra de gran impacto emocional. En la sala, se creó un clima de tensión que nos tuvo al borde de las butacas. Luego de treinta años, las heridas no se cierran. El pueblo peruano, al igual que el nuestro y que muchos de América Latina, recrea y construye la memoria colectiva a través del arte, como una manera de exorcizar a los demonios del pasado” (Diario de Cultura -Argentina).

[Dirección] ​Miguel Rubio Zapata

[Dramaturgia] ​Creación colectiva de Angeldemonio Colectivo Escénico

[Asistencia de dirección] ​Silvia Tomotaki

[Actores] ​Ricardo Delgado y Augusto Montero

[Creación sonora] ​Abel Castro

[Luminotécnica] ​Igor Moreno Orosco

[Producción artística] ​Angeldemonio Colectivo Escénico

[Asistencia de vestuario] ​Carla Montalvo y Lola Montalvo

[Técnica danzaria Shápish] ​Edin Linares Mendoza

[Realización de máscaras y accesorios] ​Paul Colinó

[Comunicaciones] ​Laura Ortiz

[Registro fotográfico] ​Agustín Galván y Paola Vera

[Presentado por] ​Angeldemonio Colectivo Escénico

Durante el año 2018 esta obra se presentó en el Festival Sótano 2,organizado por el Centro Cultural de la Universidad del Pacífico, y en la Casa Cultural Yuyachkani.

Exhumación es una obra que confronta a los peruanos con sus prejuicios acerca de las ideas que existen sobre cómo se construye la masculinidad, así como con el proceso que implica la deconstrucción de dicho concepto. Intenta indagar, en un lenguaje metafórico, los mecanismos de la estructura patriarcal sobre la cual sigue funcionando la sociedad peruana.

Miguel Rubio Zapata

Es miembro fundador del Grupo Cultural Yuyachkani (1971) y se desempeña como su director. Postula un teatro de creación e investigación a partir del material que los actores producen. Es egresado de la Especialidad de Sociología de la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad Inca Garcilaso de la Vega (1974) y doctor ​ honoris causa por el Instituto Superior de Arte de la Universidad de La Habana (2010). Su experiencia tiene como base la investigación de la cultura peruana y su aplicación en las expresiones artísticas contemporáneas.

Ha publicado los libros ​ Notas sobre teatro (2000), ​ El cuerpo ausente: performance política (2008), ​ Raíces y semillas: maestros y caminos del teatro en América Latina (2011), ​ Guerrilla en Paucartambo (2013), la serie Memoria que  danza (2013) y​ El teatro y nuestra América (2013).

“Desde la presentación de la danza guerrera de los shápish, el baile de machos que es tradicional de la fiesta de la Cruz de Mayo de Chupaca (Junín), ​Exhumación busca explorar y encontrar respuestas sobre la masculinidad” ​(El Comercio)​.

“​Exhumación es una propuesta desde la teatralidad. La escena es el lugar que problematiza la propia condición de los creadores y la imagen que tienen sobre ellos mismos; un lugar de preguntas antes que respuestas; un lugar de riesgo incómodo” ​(La República)​.

[Dramaturgia] ​Tomás Carreño y Sue Morrison

[Dirección] ​Sue Morrison

[Interpretación] ​Tomás Carreño

[Producción general] ​Silvia La Torre

[Escenografía] ​Sue Morrison y Tomás Carreño

[Diseño de iluminación] ​Sue Morrison y Tomás Carreño

[Vestuario] ​Sue Morrison y Tomás Carreño

[Musicalización] ​Sue Morrison y Tomás Carreño

[Fotografía] ​Luciana Arispe

[Presentado por]​ Tomás Carreño

Esta obra se presentó en los festivales Street A(rt)nimation Festival en Luxemburgo y Lima Divergente en Lima, durante el año 2018.

Porque ​nos habla de la importancia de comunicar nuestras circunstancias con honestidad y transparencia. De esta manera, escucharnosyentendernos los unos a los otros se convierte en una tarea primordial que trasciende cualquier época y lugar.

Sue Morrison (directora y autora):   

Sue Morrison ha enseñado, dirigido y colaborado con actividades de ​ clown y bufón de todo el mundo durante más de treinta años. Sus alumnos se presentan actualmente en el ​ Cirque du Soleil, ​ Slava’s Snow Show, ​ Blue Man Group y ​ Second City. Sue ha cocreado y dirigido más de treinta espectáculos galardonados, incluyendo ​ The Fantastical Tragical Clown Show, ​ Flawed Genius​ , la trilogía de​ Burnt Tongue y Knot… My Best Moments, y es cocreadora y directora del popular bufón, ​ Red Bastard. Su trabajo es el foco de varios documentales.

[Dramaturgia] ​Carlos González Villanueva

[Dirección] ​Fernando Castro

[Actores] ​Paris Pesantes, Walter Ramírez, Rodrigo Rodríguez, Sammy Zamalloa, Diego Sakuray, Verony Centeno, Tirso Jose Causillas

[Dirección de arte] ​Ana Cecilia Chung

[Iluminación] ​Lucho Baglietto

[Producción general] ​Compañía de Teatro Físico

[Presentado por] Compañía de Teatro Físico y el Centro Cultural de la Universidad de Lima

Obra ganadora del Festival Sala de Parto 2014. Tuvo una temporada el año 2016 en el Teatro Ricardo Blume. Se presentó el 2017 en el Festival Temporada Alta (Perú) y el 2018 en el Centro Cultural de la Universidad de Lima.

Porque nos habla sobre los dilemas sociales a los que se enfrenta el individuo en la sociedad contemporánea. La cultura del éxito, por tanto, se convierte en una terrible pesadilla monótona. A partir de lo satírico y del humor negro, se busca resaltar los conflictos de quienes intentan encontrar su espacio y razón de ser en esta vida, de pertenecer y ser reconocido en un contexto que les resulta ajeno.

Fernando Castro

Se formó como payaso junto al grupo Pataclaun (2005) y como bailarín en la Escuela de Danza Contemporánea de la PUCP (2011). Su formación lo llevó a viajar a Argentina donde entró en contacto con profesores de la escuela internacional de Jacques Lecoq (2006). Este fue el punto de partida para su investigación alrededor del movimiento, la danza, el teatro y el humor. Ha dirigido cinco obras que combinan la música en vivo, el ​ clown, el drama y la fantasía. Como coreógrafo ha trabajo en teatro, televisión y cine para grupos de danza, circo y teatro. Ha escrito y dirigido eventos institucionales para diversas organizaciones.

“¿Qué es más sádico: que el victimario intente convencer y pedir la aprobación de su presa para someterla o que la víctima acepte su papel de afectada? Esta es la pregunta con la que parte la obra […] ​Deshuesadero muestra cómo el ser humano puede llegar a la resignación a través del tormento” ​(El Comercio)​.

“​Deshuesadero resulta, en este contexto, un experimento interesante. Partiendo de ideas de maestros como Jacques Lecoq, la obra encuentra una manera distinta de responder a su tiempo y de comprobar así que el sistema capitalista en el que nos encontramos afecta nuestra corporalidad y nos moldea como individuos” ​(El Oficio Crítico)​.

“‘Esta historia tiene más la lógica de una pesadilla’, ha dicho Fernando Castro sobre la obra. No le falta razón: Deshuesadero nos confronta con una sociedad moderna que ciega el corazón de las familias y les llena la cabeza de ideas equivocadas sobre el éxito y la plenitud” ​(Blog En Lima)​.

[Idea original y dirección] ​Jorge Castro

[Dramaturgia] Jorge Castro, Mateo Chiarella, Héctor Gálvez, Gino Luque, Gerardo Ruiz Miñán

[Asistencia de dirección]​ Mikhail Page

[Actores] ​Eduardo Camino, Manuel Gold y Óscar Meza

[Diseño de escenografía y utilería]​ Eduardo Camino

[Diseño sonoro y música original] ​Santiago Pillado-Matheu

[Diseño de iluminación]​ Rolando Muñoz

[Dirección audiovisual]​ Aldo Cáceda

[Movimiento escénico]​ Ana Chung

[Vestuario]​ Magnolia López de Castilla

[Realización de videos]​ Aldo Cáceda, Héctor Gálvez

[Fotografía]​ Julián Estrada, Carlos Galiano, Paola Vera

[Producción general] ​Centro Cultural de la Universidad del Pacífico

[Presentado por] Jorge Castro y el Centro Cultural de la Universidad  del Pacífico

Esta obra sepresentóelaño2011enelMALIyelaño2018enelCentroCultural de la Universidad del Pacífico.

Una obra que ahonda en la construcción de la identidad de los peruanos, a partir del empleo de una propuesta escénica desde el falso documental.  Juega con hechos históricos y ficticios para poner en escena las dificultades y prejuicios que tenemos como sociedad.

Jorge Castro

Se formó como psicólogo clínico en la Pontificia Universidad Católica del Perú; al mismo tiempo, desarrolló su formación teatral por medio de diversos talleres de actuación, dramaturgia y dirección con maestros como Mario Delgado, Roberto Ángeles, Alonso Alegría, Edgar Saba, entre otros. Comenzó su labor como director en 1997 con ​ Ilusos (montaje ganador del Segundo Festival de Teatro Peruano Norteamericano), y desde entonces ha combinado la dirección y la dramaturgia. Ha dirigido ​ Caballito  del diablo de Fermín Cabal (1999); escrito y dirigido ​ Desvío 2 (2004), obra inspirada en el cuento​ El falso autostop de Milan Kundera;​ Traición de Harold Pinter (2006); ha escrito y dirigido ​ No pasa nada (2008); codirigido ​ Aeropuerto de Gino Luque (2011); ​ Astronautas (versión 2011); ​ Drácula (2012), adaptación teatral de la novela de Bram Stoker; ha escrito Newmarket, un suburbio muy al Norte, obra ganadora del segundo premio en el Tercer Concurso de Dramaturgia Peruana“Ponemos Tu Obra en Escena”organizado por el Británico Cultural, la cual fue estrenada en el año 2012; ​ Edipo Rey de Sófocles (2015); y escribió el guion de la película Norte​, que está basado en su obra teatral ​ Newmarket.

Desde el año 2016, conduce el taller de dirección teatral ​ Biopsia​, dirigido a profesionales de la artes escénicas y audiovisuales, en el marco de los talleres del Teatro La Plaza.

“Es de destacar, finalmente, la presencia de nuevos videos, a la manera de falsos documentales, que dotan de verismo a un relato poderoso, que aunque se plantee fantástico, tiene tantos nexos con la realidad como cualquier drama que se precie” ​(El Comercio)​.

“[…] es una de las comedias más inteligentes del teatro peruano contemporáneo” ​(Exitosa Noticias)​.

“Es, al decir de sus propios protagonistas, una historia delirante, pero contada con mucha verdad. Contribuye a ello toda la parafernalia de la puesta en escena: luces, sonidos de fondo, voz en ​off y videos con testimonios que a la manera de un falso documental hablan de esos astronautas que alguna vez conocieron” ​(La República)​.

“​Astronautas nos lleva hasta el espacio exterior para reflexionar con una sonrisa sobre cómo somos.” ​(La República)​.